El 30 de julio de 1986 tuve la oportunidad de realizar
una edición especial, en mi programa “De Estación a Estación” emitido por la
emisora madrileña Antena Colectiva, sobre los orígenes de la psicodelia, con fondo musical de la banda británica The
Chameleons.
Este artículo quiere hacer un homenaje a los grupos
que hicieron posible que el estilo musical conocido como psicodelia fuese conocido a nivel mundial, tratando de enumerar a la mayoría de
los que se encuadraron dentro de este movimiento contracultural.
LA PSICODELIA
En sus comienzos la
música psicodélica (también conocida con el nombre genérico de
"psicodelia”) abarcaba una gama de estilos y géneros musicales que
estaban inspirados o influenciados por la cultura psicodélica, y que intentaba
replicar o potenciar las experiencias con drogas psicodélicas. Surgió a
mediados de la década de los años 60 del siglo XX entre las bandas de folk rock
y blues rock de los Estados Unidos. Su característica fundamental era el uso de
nuevos efectos en las guitarras eléctricas (a menudo utilizadas con acople y
saturación, y empleando pedales como el wah-wah) y con una fuerte presencia del
teclado (especialmente del órgano, el clavecín o el mellotrón); también se
caracterizaba por el uso de instrumentación no occidental, particularmente de
la música india (como el sitar y la tabla). Se ejecutaban solos extendidos y
desarrollos musicales improvisados, y las letras de las canciones eran
surrealistas y excéntricas, inspiradas en la literatura o el esoterismo.
La psicodelia musical
dio sus primeros pasos en el campo de las grabaciones de corte experimental,
como fue el LP “This Is It” que hizo en 1961 el filósofo de origen
inglés Alan Watts, y que contenía música ritual y evocaciones relacionadas con
la temática de la expansión de la conciencia. Siguieron luego los entornos folk
con la banda neoyorkina Holy Modal Rounders, introduciendo el término en 1964
dentro de su canción “Hesitation Blues”, en la estrofa que dice: “...I got my psychedelic feet/In my psychedelic shoes/Oh lordy momma/I got
the psychedelic blues...”.
Ya en 1966, California
demostró ser el mayor impulsor de la psicodelia norteamericana, con eventos
psicodélicos como los Acid Test organizados por Ken Kesey y sus Merry
Pranksters, el Trips Festival organizado por Stewart Brand (pionero en el
concepto multimedia, y responsable de presentar la música electrónica a la
generación contracultural); y sobre todo con el lanzamiento de discos
fundacionales de la psicodelia, como fue el sencillo con toques indios “Eight Miles High” de The Byrds (editado en febrero de 1966 y que fue
pionero en el movimiento, por ser la primera canción que hizo referencia al
consumo de drogas), el LP con toques de barroquismo sinfónico “Pet Sounds” de The Beach Boys, y el doble LP experimental “Freak Out” de la banda The Mothers Of Invention, liderada por Frank Zappa.
Una banda cercana a
Ken Kesey y los Merry Pranksters fue The Grateful Dead. Sus componentes
comenzaron haciendo folk con el nombre de Mother McCree's Uptown Jug Champions,
y cambiaron su instrumentación acústica por eléctrica en 1965 al conocer a John
B. Sebastian y The Lovin' Spoonful. Otras bandas de San Francisco pioneras en
la elaboración de música psicodélica fueron Jefferson Airplane, Country Joe and
the Fish, Quicksilver Messager Service, Big Brother and the Holding Company o Love.
El primer uso del término “rock psicodélico" se atribuye a la banda
tejana 13th Floor Elevators (naturales de Austin), cuyas primeras giras
inspirarían la aún incipiente escena psicodélica de San Francisco.
Algunos de los protagonistas de la psicodelia americana. De izquierda a derecha Jerry Garcia, de The Grateful Dead; Janis Joplin, de Big Brother and the Holding Company; Jack Casady, Marty Balin y Grace Slick, de Jefferson Airplane
En el Reino Unido
bandas consolidadas como The Beatles, The Rolling Stones, The Yardbirds (en este vídeo el guitarrista de la banda es Jimmy Page, anteriormente habían pasado por el grupo Eric Clapton y Jeff Beck), The
Kinks, Donovan, The Incredible String Band y The Pretty Things, experimentaron
con los nuevos sonidos psicodélicos que llegaban desde el otro lado del
Atlántico. También salieron nuevos grupos que se encuadraron dentro de este
movimiento musical como fueron Pink Floyd, The Move, Soft Machine, Traffic (o Traffic Live), Blind Faith (o Blind Faith Live) e incluso los primeros Status Quo.
La psicodelia alcanzó
su punto álgido entre 1967 y 1969, con el “Summer of Love” (Verano del Amor) de
San Francisco y los festivales de Monterey y de Woodstock, celebrados en junio
de 1967 y agosto de 1969, respectivamente; convirtiéndose en un movimiento
musical internacional, asociado a una contracultura generalizada. Inició su
descenso a comienzos de la década de los 70 debido al cambio de actitudes y a
la pérdida de algunos individuos clave, que llevaron a los músicos supervivientes
a moverse hacia nuevos estilos musicales.
El rock psicodélico
influenció la creación del pop psicodélico y el soul psicodélico. También
sirvió como puente en la transición del rock basado en el blues y el folk al
rock progresivo, al glam rock o al hard rock, y como resultado ha influido en
el desarrollo de otros géneros como el heavy metal. Desde finales de los años 70
se ha reavivado en varias formas de neopsicodelia o nueva psicodelia.
EL ROCK ÁCIDO DE CALIFORNIA
EL “MONTEREY POP FESTIVAL”
El primer festival de música psicodélica
tuvo lugar durante los días 10 y 11 de junio de 1967 en la cima de un monte
cercano a San Francisco, el “Mount Tamalpais” de Marin County, California. Se celebró en el “Sydney B. Cushing Memorial
Amphitheatre” y se llamó “Fantasy Fair and Magic Mountain Music Festival”.
Actuaron, entre otros, Jefferson Airplane, The Doors, The 5th Dimension, Dionne
Warwick, Canned Heat, Steve Miller Blues Band, Country Joe and The Fish y The
Byrds. Durante los dos días se estima que pasaron por el festival unos 36.000
asistentes, el recinto tenía capacidad para 4.000 personas.
Poster usado para
anunciar la celebración del “Fantasy Fair and Magic Mountain Music Festival”
Una semana después John Phillips de “The Mamas and the Papas” organizó el Monterey International Pop Festival. El evento, celebrado del 16 al 18 de junio de 1967, tuvo como escenario el recinto ferial de la ciudad californiana de Monterey (el “Monterey County Fairgrounds”) y es considerado como el primer festival multitudinario en el que participaron diversos grupos música psicodélica. La capacidad del recinto ferial era de 7.000 personas, pero en la noche del sábado 17 de junio accedieron al festival alrededor de 8.500 asistentes. Unas 25.000 personas pudieron ver el festival durante los tres días, sin embargo el número de congregados en los alrededores se estima que fueron 90.000.
Poster usado para anunciar la celebración del “Monterey International Pop Festival”
El Monterey Pop Festival se incorporó al estilo de vida de San Francisco y la contracultura, y fue, junto al festival de Marin County, el punto de partida del “Summer of Love" (Verano del Amor) de 1967.
Al contrario de lo que ocurrió un año
antes, el 29 de agosto de 1966, en el último concierto en vivo de The Beatles,
celebrado en el Candlestick Park de San Francisco, en esta ocasión los
asistentes al festival pudieron disfrutar de un excelente sistema de sonido
diseñado y construido por el ingeniero de sonido Abe Jacob, que comenzó su
carrera llevando el sonido en directo de las bandas de San Francisco y que pasó
a convertirse en el diseñador de sonido más importante de la escena
estadounidense. El innovador sistema de sonido que Jacob montó en Monterey fue
la base de todos los sistemas de audio para grandes recintos que siguieron
posteriormente. Fue un elemento clave en el éxito del festival, muy apreciado
por los artistas que participaron en él. En el film Monterey Pop se puede
escuchar a David Crosby, en el inicio de la prueba de sonido de The Byrds,
comentar con su compañero de banda Chris Hillman el “¡Excelente sistema de
sonido de que disponían!”.
Hay publicado un vídeo que resume el documental que
rodó D. A. Pennebaker
sobre el festival, donde se muestran algunos de
los músicos que pasaron por allí. Aparecen Jimi
Hendrix, Janis Joplin, Art Garfunkel, John Phillips y Mama Cass Elliot, Grace
Slick, Ravi Shankhar, Otis Redding, The Byrds, The Who, Hugh Masakela y The
Grateful Dead. También se puede ver a Brian Jones que asistió al festival como espectador acompañado por la alemana Nico (que formó parte de la primera formación de Velvet Underground). Brian fue el encargado de presentar la memorable actuación de Jimi
Hendrix en Monterey.
ERIC BURDON EN EL “MONTEREY POP FESTIVAL”
Eric Burdon actuó el
primer día del festival con unos nuevos The Animals, ya no formaban parte de la
banda ninguno de los componentes originales. Interpretó, entre otras, una
excelente versión de estilo psicodélico del “Paint it Black”
(Pintalo de Negro) de The Rolling Stones.
Eric Burdon actuando en Monterey
Unos meses después, en
noviembre de 1967, compuso la extraordinaria canción Monterey (o Monterey Festival) como homenaje al
festival.
La letra de la canción hace referencia
al ambiente del festival y menciona a algunos de los músicos que actuaron: The
Byrds, Jefferson Airplane, Ravi Shankar, Jimi Hendrix, The Who, Hugh Masekela y
Grateful Dead. También menciona a Brian Jones, por aquellos años guitarrista de
The Rolling Stones: “His Majesty Prince Jones smiled as he moved among the
crowd” (Su Majestad el Príncipe Jones sonreía mientras se movía entre la
multitud). The Rolling Stones no actuaron en el festival.
Hacia el final de la canción incluye una
estrofa del tema “Renaissance Fair” de The Byrds; “I think that
maybe I´m dreamin” (Creo que tal vez estoy soñando).
Los instrumentos utilizados en la
canción imitaban los estilos de los músicos mencionados.
THE GRATEFUL DEAD
The Grateful Dead (literalmente "la
muerte agradecida”) fue una de las bandas punteras de la psicodelia
californiana. Comenzaron haciendo música folk en 1965 con el nombre de “Mother McCree's Uptown Jug Champions”.
Desarrollaron su estilo “psicodélico”
como resultado de las fiestas que Ken Kesey y los Merry Pranksters daban en la
ciudad de Palo Alto, California; siendo posteriormente la banda de
acompañamiento en todos los Acid Tests (pruebas de ácido) que Ken Kesey
organizaba en el área de la Bahía de San Francisco y en los alrededores de la
ciudad de Los Ángeles.
The Grateful Dead en 1966
Su estilo era único y ecléctico, fusionando elementos del rock, folk, bluegrass, blues, country y jazz; caracterizado por las largas improvisaciones que realizaban en sus actuaciones. Bill Graham, fundador del Fillmore de San Francisco, dijo de ellos: “No son los mejores en lo que hacen, son los únicos que hacen lo que hacen".
Bill Graham (de frente caminando) en la puerta de su sala Fillmore Auditorium
Grateful Dead eran habituales en las concentraciones que se celebraban en el Golden Gate Park de San Francisco. En el vídeo, rodado en una actuación que dieron en este parque en el año 1967, se puede ver al líder de la banda, Jerry García sin la espesa barba que le caracterizó posteriormente.
JEFFERSON AIRPLANE
Jefferson Airplane es considerada la
banda má emblemática del rock psicodélico de San Francisco, California.
El grupo lo fundó en el año 1964 Marty Balin, añadiendo posteriormente al guitarra y cantante Paul
Kantner, a la cantante Signe Toly Anderson,
al guitarrista Jorma Kaukonen, al bajo Jack Casady y al batería Skip Spence. En 1965 Marty Balin junto con tres socios comprarón un antiguo local situado en el número 3138 de Fillmore Street y lo bautizaron como el club Matrix, convirtiendose en el lugar de ensayo de la banda y donde actuaban regularmente. Esta formación fue la que grabó su álbum de debut “Jefferson Airplane Takes Off", que fue publicado en agosto de 1966. Poco después de finalizar la grabación en marzo de 1966 Skip Spence abandonó su puesto de bateria para pasar a tocar la guitarra en la banda Moby Grape, entrando a sustituirlo Spencer Dryden.
El primer álbum incluye la canción “It´s no Secret" compuesta por Marty Balin. En este vídeo se puede ver al grupo actuando en el Fillmore Auditorum de Bill Graham, con Marty Balin y Signe Anderson cantando y Spencer Dryden a la batería.
Otra banda psicodelica de San Francisco relacionada con Jefferson Airplane fue The Great Society, que tenía como cantante a Grace Slick. Este grupo lo fundaron Grace, su entonces marido Darby Slick, que tocaba la batería, y el hermano de éste, Jerry Slick, que tocaba la guitarra. A comienzos de 1966 sacaron un disco sencillo que contenía una primera versión de “Somebody to Love”, con el título de “Someone to Love”, compuesta por Jerry Slick. También tocaban en sus directos una composición de Grace Slick, “White Rabbit”, que Jefferson Airplane grabarían en su segundo larga duración.
Signe Anderson abandonó Jefferson Airplane a finales del año 1966 para cuidar a su hija recien nacida, y Jack Casady invitó a Grace Slick a que se uniera a la banda como segunda cantante. La última actuacion de Signe fue la noche del 15 de octubre de 1966 en el Fillmore Auditorium, en la actuación del día siguiente apareció Grace como segunda cantante del grupo.
Primera formación de Jefferson Airplane. De izquierda a derecha Signe Anderson, Jack Casady, Marty Balin, Skip Spence, Paul Kantner y Jorma Kaukonen
El primer álbum incluye la canción “It´s no Secret" compuesta por Marty Balin. En este vídeo se puede ver al grupo actuando en el Fillmore Auditorum de Bill Graham, con Marty Balin y Signe Anderson cantando y Spencer Dryden a la batería.
Otra banda psicodelica de San Francisco relacionada con Jefferson Airplane fue The Great Society, que tenía como cantante a Grace Slick. Este grupo lo fundaron Grace, su entonces marido Darby Slick, que tocaba la batería, y el hermano de éste, Jerry Slick, que tocaba la guitarra. A comienzos de 1966 sacaron un disco sencillo que contenía una primera versión de “Somebody to Love”, con el título de “Someone to Love”, compuesta por Jerry Slick. También tocaban en sus directos una composición de Grace Slick, “White Rabbit”, que Jefferson Airplane grabarían en su segundo larga duración.
The Great Society
Signe Anderson abandonó Jefferson Airplane a finales del año 1966 para cuidar a su hija recien nacida, y Jack Casady invitó a Grace Slick a que se uniera a la banda como segunda cantante. La última actuacion de Signe fue la noche del 15 de octubre de 1966 en el Fillmore Auditorium, en la actuación del día siguiente apareció Grace como segunda cantante del grupo.
Jefferson Airplane definió el sonido de
San Francisco y fue la primera banda de la Bahía en lograr el éxito comercial a
nivel internacional.
Su segundo disco Surrealistic Pillow (Almohada Surrealista), editado en 1967, es considerado una de las grabaciones más importantes del “Summer of Love” (Verano del amor). Dos canciones de ese álbum, “Somebody to Love” (Alguien a quien amar) y “White Rabbit” (Conejo blanco), están entre las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.
Actuaron en los tres festivales americanos más importantes de rock de los años 60: el Monterey Pop Festival (junio de 1967), el Woodstock Festival (agosto de 1969) y el Altamont Festival (diciembre de 1969).
Su segundo disco Surrealistic Pillow (Almohada Surrealista), editado en 1967, es considerado una de las grabaciones más importantes del “Summer of Love” (Verano del amor). Dos canciones de ese álbum, “Somebody to Love” (Alguien a quien amar) y “White Rabbit” (Conejo blanco), están entre las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.
Actuaron en los tres festivales americanos más importantes de rock de los años 60: el Monterey Pop Festival (junio de 1967), el Woodstock Festival (agosto de 1969) y el Altamont Festival (diciembre de 1969).
En el Monterey Pop Festival de junio de 1967 interpretaron, entre otras, estas dos canciones: High Flying Bird (Pájaro de vuelo alto) y Today (Hoy).
En el Woodstock Festival la actuación de Jefferson Airplane tuvo lugar entre las 7 y las 8:30 de la mañana del domingo 17 de agosto de 1969 (interpretaron 13 canciones). La tercera fue este “Three Fifths of a Mile in 10 Seconds” (Tres quintos de una milla en 10 segundos), en donde se puede ver la entrada que realiza Spencer Dryden, batería de la banda, antes de que la guitarra de Jorma Kaukonen comience su desarrollo de estilo blues, pasando después las voces de Marty Balin y Grace Slick a ser protagonistas.
El último festival es recordado por la considerable violencia que desplegaron los Hell´s Angels (Ángeles del Infierno, asociación de motoristas que montan motocicletas de la marca Harley-Davidson), que fueron encargados de establecer la seguridad en el concierto. Después de que alguno de los asistentes al concierto derribara, quizás accidentalmente, una de las motocicletas de los Hell´s Angels, éstos que estaban bastantes bebidos se volvieron muy violentos, incluso descargaron su agresividad hacia los grupos participantes en el festival. Marty Balin de Jefferson Airplane fue golpeado en la cabeza por un Hell´s Angel mientras la banda interpretaba “The Other Side of this Life”, el cual tuvieron que interrumpir como se puede ver en el vídeo del documental Gimme Shelter. Después de esto The Grateful Dead que debían actuar a continuación se negaron a subir al escenario.
THE 13th FLOOR
ELEVATORS
The 13th Floor
Elevators (los Ascensores del Piso Decimotercero) fue una banda de rock de
Austin (Texas), que estuvo en activo entre los años 1965 y 1969. El grupo lo
formaron Roky Erickson (guitarra y cantante), Tommy Hall (“jug eléctrico” y
letrista), Stacy Sutherland (guitarra), Benny Thurman (bajo) y John Ike Walton
(batería). Durante su carrera la banda lanzó cuatro discos LPs y siete
sencillos para el sello independiente International Artists de Houston, Texas.
Fue una de las
primeras bandas psicodélicas de la historia del rock. Según el documental
“You're Gonna Miss Me” de 2005, parece ser que fue Tommy Hall el que acuñó por
primera vez el término “rock psicodélico”, aunque dos grupos de Nueva York, los
Holy Modal Rounders y los Deep, ya habían utilizado anteriormente el término “psicodélico”
para describir su música. Su influencia fue reconocida por muchos músicos
psicodélicos de los años 60.
The 13th Floor
Elevators
El nombre de la banda
se estableció a partir de una sugerencia del batería John Ike Walton para usar
el nombre “Elevators! y Clementine Hall, pareja por aquel tiempo de Tommy Hall,
añadió “13th Floor”. Da la coincidencia de que un gran número de rascacielos de
los EEUU carecen de piso 13. Por otro lado se puede observar que la letra “M”,
para hacer referencia a la marihuana, es la decimotercera letra del alfabeto.
Después de actuar con
bastante éxito por el estado de Texas fueron descubiertos por Lelan Rogers
(hermano del famoso cantante de country Kenny Rogers), quien les consiguió un
contrato con el sello International Artists, en donde editaron su primer single
“You're Gonna Miss Me” (Me vas a echar de menos) en 1966, consiguiendo entrar
en listas de ventas. Su primer LP, editado ese mismo año, se tituló “The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators” (Los sonidos psicodélicos de
los 13th Floor Elevators). Este disco es considerado un disco clave en la
historia de la psicodelia y contiene temas sensacionales como es el caso de su
primer sencillo, y otros como su segundo single “Reverberation”, la balada
“Splash 1 (Now I'm Home)”, “Roller Coaster” o la soberbia “Fire Engine”.
La cantante Janis
Joplin, que también era de Texas, fue amiga de Clementine Hall y admiradora de
la banda. Abrió para ellos en un concierto benéfico en Austin y consideró la
posibilidad de formar parte del grupo antes de marcharse a San Francisco para
unirse a “Big Brother and the Holding Company”. Su forma de cantar tenía en sus
comienzos una fuerte influencia de Roky Erickson, con ese estilo tan compulsivo
que desarrolla en “You're Gonna Miss Me".
La compulsiva forma de
cantar de Roky Erickson y el innovador sonido del “jug eléctrico” de Tommy Hall
se convertirían en las dos principales señas de identidad de los temas de la
banda. El “jug eléctrico” es un instrumento musical parecido a una garrafa
vacía hecho de vidrio y de gres, que se toca haciendo un zumbido con los labios
para producir un sonido parecido al trombón. Tommy Hall tocaba el “jug”
sosteniendo un micrófono mientras soplaba, de manera que hacía que el
instrumento sonara como un cruce entre un minimoog y un tambor cuica. En
contraste con la técnica musical tradicional del “jug”, Hall no soplaba
directamente en la garrafa para producir un sonido tipo tuba, en lugar de eso
vocalizaba melodías musicales en la boca de la garrafa, usándola para crear eco
y distorsión en su voz. En 1967, cuando grabaron su segundo LP, Easter
Everywhere, el ingeniero de grabación colocó un micrófono dentro de la garrafa
para mejorar el sonido.
The 13th Floor Elevators han sido únicos, incluso en la década de los años 60. En las grabaciones de sus álbumes y en la mayoría de sus actuaciones en directo, a instancias de Tommy Hall, hacían un recorrido por la devoción sensorial del LSD, desarrollando su estilo de vida y su música en torno a la experiencia psicodélica. Las influencias esotéricas ayudaron a dar forma a su trabajo, que muestra huellas de las enseñanzas del escritor y compositor armenio George Gurdjieff, de la semántica general desarrollada por el polaco Alfred Korzybski, de la filosofía psicodélica de Timothy Leary y de la meditación tántrica.
The 13th Floor Elevators han sido únicos, incluso en la década de los años 60. En las grabaciones de sus álbumes y en la mayoría de sus actuaciones en directo, a instancias de Tommy Hall, hacían un recorrido por la devoción sensorial del LSD, desarrollando su estilo de vida y su música en torno a la experiencia psicodélica. Las influencias esotéricas ayudaron a dar forma a su trabajo, que muestra huellas de las enseñanzas del escritor y compositor armenio George Gurdjieff, de la semántica general desarrollada por el polaco Alfred Korzybski, de la filosofía psicodélica de Timothy Leary y de la meditación tántrica.
THE BYRDS
The Byrds fue la banda que más influyó
para que los grupos californianos evolucionaran desde el folk rock al rock
psicodélico.
El grupo se formó en Los Ángeles,
California, en 1964. Los cinco miembros fundadores de The Byrds fueron Jim
McGuinn (guitarra de punteo y voz), Gene Clark (pandereta y voz), David Crosby
(guitarra rítmica y voz), Chris Hillman (bajo y voz) y Michael Clarke
(batería).
The Byrds en 1965
En diciembre de 1966 The Byrds publicaron la canción “Eight Miles High” (Ocho millas de altura), que se considera una de las primeras grabaciones de rock psicodélico. Esta composición fue crucial en el paso del folk rock hacia nuevas formas musicales de psicodelia y raga rock.
La canción destaca por sus armonías
vocales y por la innovadora forma en la que McGuinn toca la guitarra,
intentando emular el estilo en el que el músico de jazz John Coltrane toca con
su saxofón el tema “India” de su disco “Impressions”. “Eight Miles High”
también tiene influencias de lo que hacía en aquello tiempos el músico indio
Ravi Shankar, tanto en las melodías vocales como en la guitarra de McGuinn. La
utilización de influencias de la India dio como resultado que la prensa musical
denominase a este estilo “raga rock”, aunque de hecho es “Why”, cara B del
sencillo en el que aparece “Eight Miles High”, la canción que tiene más
influencia del raga de la India.
En el momento de su publicación las
emisoras de radio de los Estados Unidos prohibieron la radiodifusión de “Eight
Miles High” al poco de su lanzamiento, después de que un diario publicase que
incitaba al uso recreativo de drogas (uso de drogas psicoactivas con
finalidades que no son médicas ni terapéuticas) en su letra. Tanto la banda
como sus representantes denegaron estas acusaciones, alegando que la letra de
la canción describe un vuelo de avión a Londres en agosto de 1965 y la
posterior gira por el Reino Unido. En años posteriores tanto Clark como Crosby
admitieron que la canción estaba al menos en parte inspirada por su propio uso
de drogas.
La canción comienza diciendo: “Eight
miles high and when you touch down, you'll find that it's stranger than known”
(Ocho millas de altura y cuando bajas verás que es extraño todo lo que
conoces). Aunque los aviones comerciales de pasajeros vuelan a una altitud de
seis a siete millas (9,65606 a 11,2654 km), pensaron que "ocho millas de
altura" sonaba más poético que seis y además recordaba el título de la
canción de The Beatles “Eight Days a Week” (Ocho días a la semana).
BIG BROTHER AND THE HOLDING COMPANY
“Big Brother and the Holding Company”
fue una banda de rock de San Francisco encuadrada dentro de la escena
psicodélica de la que formaban parte Grateful Dead y Jefferson Airplane. El
grupo es más conocido por tener a Janis Joplin como su cantante principal. Su
álbum de 1968 “Cheap Thrills” es considerado una de las obras maestras del
sonido psicodélico de San Francisco. En su tiempo alcanzó el número uno en las
listas de éxitos y es considerado por la revista Rolling Stone uno los 500
álbumes más importantes de todos los tiempos.
La banda la formó en 1965 Peter Albin,
un guitarrista de country blues que había tocado con Jerry García y Ron
McKernan, futuros fundadores de Grateful Dead. Peter, que pasó a tocar el bajo
eléctrico, se unió a Sam Andrew, un guitarrista profesional de rock & roll
con conocimientos de jazz y clásico, y al guitarrista James Gurley para hacer
“jam sessions” (una “jam sesión” es una reunión informal de músicos, con
afinidad temperamental, que tocan para su propio disfrute música no escrita ni
ensayada) organizadas por Chet Helms, un promotor musical y una importante
figura de la contracultura de San Francisco que organizaba conciertos gratuitos
y otros eventos culturales en el Golden Gate Park de San Francisco, el
escenario del “Summer of Love” de 1967. Helms les encontró un batería y “Big
Brother and the Holding Company” dieron su primer concierto en el “Trips
Festival” celebrado en enero de 1966, en el Longshoreman’s Union Hall de San
Francisco. Entre el público se encontraba el batería de jazz David Getz, que
posteriormente se unió al grupo.
Big Brother se convirtió en la banda
residente del mítico Avalon Ballroom de San Francisco fundado por Chet Helms,
interpretando un estilo de rock progresivo instrumental. Viendo la necesidad de
que la banda debía disponer de un potente vocalista, Helms se puso en contacto
con Janis Joplin, a la que había conocido en Austin (Texas). Janis en ese momento
estaba considerando la posibilidad de formar parte de The 13th Floor Elevators
como segunda voz, pero la tentadora oferta de viajar a San Francisco hizo que
se uniese a Big Brother como cantante.
Janis Joplin actuó por primera vez con
los “Big Brother and the Holding Company” el 10 de junio de 1966 en el Avalon
Ballroom. Los seguidores de la banda tardaron un tiempo en aceptar a la nueva
cantante, ya que su nuevo estilo musical era completamente diferente a lo que
habían hecho hasta ese momento. El grupo tenía un sonido muy experimental, pero
con Joplin sus canciones adoptaron una estructura más convencional y la banda
comenzó a aumentar su popularidad en la escena psicodélica de San Francisco.
“Big Brother and the Holding Company” en 1966
Justo un año después tuvo lugar la histórica actuación de la banda en el Monterey Pop Festival de junio de 1967. La actuación fue el sábado por la tarde, con una lista de canciones que incluía “Down on Me”, “Combination of The Two”, “Harry”, “Roadblock” y “Ball and Chain”. El representante de la banda decidió no permitir que las cámaras de D. A. Pennebaker filmaran y grabaran esta actuación sin pagarles. Los promotores del festival se quedaron asombrados de la excelente interpretación de la banda y pidieron al grupo que volvieran a tocar la noche siguiente para grabar su actuación. En esta ocasión sólo tocaron dos canciones: “Combination of The Two” y “Ball and Chain”, que son las que aparecen en el documental filmado por D. A. Pennebaker. Michelle Phillips de The Mamas & the Papas, que fueron los que planificaron el festival, comentó posteriormente: “Recuerdo mi gran sorpresa al ver que aquella mujer blanca cantaba con la fuerza de Bessie Smith, ¡me quedé totalmente asombrada!”.
El primer disco larga duración del “Big
Brother and the Holding Company” salió con el mismo nombre del grupo, se lanzó
en agosto de 1967 después de su exitosa actuación en Monterey. Le precedieron
dos sencillos: el primero se lanzó en julio y contenía “Blind Man” y “All Is Loneliness”, y el segundo salió en agosto y contenía “Down On Me” y “Call OnMe”. Este LP fue grabado en el sello independiente Mainstream Records en
diciembre de 1966.
La actuación en el Monterey Pop Festival
supuso el reconocimiento internacional de “Big Brother and the Holding
Company”. El mes de febrero de 1968 el grupo dio su primer concierto en la
costa este, en el Anderson Theater de la ciudad de Nueva York. La prensa de
Nueva York elogió el maravilloso estilo escénico de Janis Joplin y comparó su
forma de cantar como una mezcla de Bessie Smith, Aretha Franklin y James Brown.
“Big Brother and the Holding Company” fue la primera banda de rock que tocó en
el legendario Fillmore East de la ciudad de Nueva York, el 8 de marzo de 1968.
El segundo álbum del grupo salió al
mercado en el verano de 1968, un año después de su álbum de debut. Se iba a
llamar inicialmente “Sex, Dope y Cheap Thrills” (Sexo, droga y sensaciones a
bajo precio), pero la discográfica Columbia les pidió que lo cambiaran a Cheap
Thrills. La portada fue diseñada por el dibujante de comics R. Crumb, y para la
contraportada Columbia escogió una fotografía en blanco y negro de Janis
Joplin. El álbum alcanzó el número uno en las listas de éxitos y el single “Piece of My Heart” también se convirtió en un gran éxito. En el
disco también aparece “Ball and Chain” grabada en vivo en un
concierto que dieron en el Winterland Ballroom de San Francisco en 1968. El
disco fue lanzado con sólo siete temas, aunque grabaron ocho canciones más que
fueron incluidas en álbumes posteriores de Janis Joplin.
Al final del verano de 1968, poco
después de aparecer en el “Palace of Fine Arts Festival” de San Francisco,
Joplin anunció que dejaría a los “Big Brother and the Holding Company” en el
otoño de ese año. La razón oficial que dio fue su deseo de hacerse solista y
formar una banda de soul que le acompañase. Sam Andrew también abandonó la
banda para unirse a Joplin en su nuevo proyecto. La última actuación de Janis
Joplin con Big Brother fue el 1 de diciembre de 1968, en un concierto benéfico
que dieron para Family Dog Productions (la promotora que Chet Helms había
creado para organizar conciertos y eventos culturales, que comenzó siendo una
comuna hippie) en San Francisco. Veinte días después ella y Sam tocaban en
Memphis por primera vez con su nueva banda, más tarde llamada Kozmic Blues
Band.
LA CANCIÓN “SAN FRANCISCO”
La ciudad de San Francisco fue en la
segunda mitad de la década de los años sesenta del siglo XX la capital mundial
de la psicodelia y de la contracultura.
El Monterey Pop Festival, celebrado del
16 al 18 de junio de 1967, introdujo la música rock de la contracultura a una
amplia audiencia y se puede decir que marcó el inicio del “Summer of Love”
(Verano del Amor). John Phillips de “The Mamas & the Papas” compuso la canción
“San Francisco” para promocionar el festival, que fue cantada por su amigo
Scott McKenzie con John tocando la guitarra. La canción se lanzó en mayo de
1967 y se convirtió en uno de los singles más vendidos de los años 60 en el
mundo.
Si la canción de Pete Seeeger “If I Had
a Hammer” cantada por Peter, Paul and Mary se convirtió en el himno de la
población negra después de la Marcha por los Derechos Civiles de Washington en
1963, “San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair)” interpretada por Scott
MacKenzie fue el himno por excelencia del movimiento hippie tras el primer
Monterey Pop Festival de 1967.
La ciudad de Monterey se encuentra a 200
km al sur de San Francisco y en el año 1967 tenía unos 25.000 habitantes. Grandes figuras de la música del momento habían
confirmado su actuación en el festival: Eric Burdon and The Animals, Simon
& Garfunkel, Canned Heat, Big Brother and the Holding Company, Country Joe
and the Fish, The Byrds, Jefferson Airplane, Booker T. & the MG's, Otis
Redding, Buffalo Springfield, The Who, The Jimi Hendrix Experience y The Mamas
& The Papas, entre otros. Se esperaba, por tanto, que se desplazasen a Monterey
miles de jóvenes de todo el país, con los inconvenientes e incomodidad que ello
podría originar a los ciudadanos de la ciudad. John Phillips, miembro de “The
Mamas & The Papas” y uno de los organizadores del evento, preocupado porque
se estaban desbordando todas las previsiones y para evitar incidentes, como
músico y compositor se le ocurre la idea de publicitar el festival con una
canción que llame a la paz y a la armonía entre todos los asistentes. En muy
poco tiempo la tiene terminada y en la letra de la canción procura no citar el
nombre de Monterey. Su idea era que los jóvenes se dirigiesen en un principio a
la cosmopolita y próxima San Francisco, más acostumbrada y con mayor tradición
de albergar este tipo de eventos, y que sólo se acercasen a Monterey para
asistir a los conciertos. John Philips pensó en su amigo Scott McKenzie,
antiguo compañero de la banda The Journeymen, para que cantase la canción, ya
que tenía la voz y la imagen perfecta para ello. Su imagen, siempre descalzo y
con flores en el pelo, se identificativa plenamente con la moda hippie y le
daba el toque ideal para interpretarla. La grabación y lanzamiento de la
canción se hizo en un corto período de tiempo para poder publicitarla con el
mayor marketing posible. Acabó titulándola “San Francisco (Be Sure to WearFlowers in Your Hair)”, convirtiendo a Scott en el “Gran Gurú” del movimiento
“Flower Power”.
Portada original del single San Francisco
La canción fue un éxito rotundo en todo el mundo. Después de su lanzamiento se conviertió en el himno de la comunidad hippie (“flower children”, chicos de las flores) de San Francisco e inspiró a miles de jóvenes de todo el mundo a viajar a la ciudad en el “Summer of Love” (Verano del Amor) de 1967 para celebrar el nacimiento de la nueva contracultura. Allí los “flower children” distribuían flores a los transeúntes al tiempo que cantaban el famoso estribillo de la canción:
If you're going
to San Francisco
Be sure to wear
some flowers in your hair
If you're going
to San Francisco
You're gonna
meet some gentle people there
For those who
come to San Francisco
Summertime will
be a love-in there
In the streets
of San Francisco
Gentle people
with flowers in their hair
Si vas a San Francisco
No olvides de llevar flores en el pelo
Si vas a San Francisco
Allí te encontrarás con personas muy
amables
Para aquellos que vienen a San Francisco
El verano será una celebración del amor
En las calles de San Francisco
Hay personas muy amables con flores en
el pelo
LA CANCIÓN “CALIFORNIA DREAMIN'”
California Dreamin´ (Sueño con
California) es la canción que mejor representa el mito de California en los
años 60 y la llegada del movimiento contracultural de los hijos de las flores.
Sin ser estrictamente una composición
psicodélica, ya que su estructura es cercana al folk, ayudó a que los nacientes
grupos psicodélicos de aquellos años pudiesen ser conocidos en los festivales
multitudinarios que se celebraron en California, gracias al auge del “flower
power” que California Dreamin´ ayudó a promocionar.
La canción fue compuesta por John y
Michelle Philips cuando formaban parte de los New Journeymen y el primero que
llegó a grabarla fue el cantautor Barry McGuire (conocido por el éxito “Eve of Destruction”, “La víspera de la destrucción”, lanzado en 1964), para su segundo
LP This Precious Time publicado en 1965, con los miembros de “The Mamas &
the Papas” haciendo las harmonías vocales.
“The Mamas & the Papas” publicaron
un disco sencillo con California Dreamin' en 1965, llegando a ser un gran
éxito en 1966. Los cuatro componentes del grupo (John y Michelle Phillips, Cass
Elliot y Denny Doherty) fueron los mejores representantes del movimiento
hippie, ya que con su música suave de folk intimista lleno de dulzura dominaron
el llamado “flower power” desde el año 1966 hasta su separación en 1968.
Portada del single California Dreamin´
Debido a su popularidad esta canción ha sido grabada por numerosos artistas, como Johnny Rivers, Wes Montgomery, The Seekers, The Beach Boys, The Ventures, The Carpenters, América, Bobby Womack, Hugh Masekela, José Feliciano, Melanie Safka, The Four Tops, The Brotherhood, George Benson, Richard Anthony, River City People, Nancy Sinatra, REM, Diana Krall, Wilson Phillips, Sia… Hasta los españoles Mocedades hicieron una versión de la canción, con el nombre de “California espera”.
El estribillo principal de la canción
dice:
“All the leaves
are brown
And the sky is
gray
I've been for a
walk
On a winter's
day
On such a
winter's day”
“Las hojas de los árboles están
marrones,
y el cielo está gris.
He salido a dar un paseo
en un día de invierno.
Sueño con California,
en un día de invierno”
OTRAS BANDAS ÁCIDAS DE CALIFORNIA
IT'S A BEAUTIFUL DAY
“It's a Beautiful Day” fue una banda de San Francisco que nació en 1967 en pleno auge del fenómeno social denominado “Summer of Love”, la banda estuvo muy relacionada con otros grupos de la ciudad como Grateful Dead, Jefferson Airplane o Santana Blues Band. Al igual que Jefferson Airplane también disponían de dos cantantes, uno masculino y otro femenino: David LaFlamme (que además tocaba el violín de cinco cuerdas) y Pattie Santos.
“It's a Beautiful Day” en 1968
El grupo creó una especie de
rock psicodélico con una mezcla de jazz, folk y música clásica. En 1969
publicaron su primer álbum, “It's a Beatiful Day”,
que es considerado una obra maestra del rock psicodélico californiano y cuya
portada presenta una imagen en consonancia con el nombre de la banda: “Es
un Hermoso Día”. El disco contiene maravillosas canciones como “White Bird”, “Hot Summer Day”, “Girl With No Eyes”, “Bulgaria” o “Time Is”.
“It's a
Beautiful Day” pudieron haber actuado en Woodstock,
ya que cuando Michael Lang, organizador del festival, fue a ver a Bill Graham
para contratar a los Grateful Dead, Bill le ofreció incluir a otras dos bandas
de la Bahía: It's a Beautiful Day y Santana Blues Band. Lang escuchó a
las dos grupos y le gustaron, como no podía contratar a ambos tomó la
decisión de lanzar una moneda al aire y, en un hermoso día perdido, salió la
banda de Santana, que se convirtió en una autentica estrella en su actuación en
el festival.
SANTANA BLUES BAND
La Santana
Blues Band se formó en San Francisco en 1966 con el objetivo de convertirse en
un grupo de fusión latina, evolucionando posteriormente hacia un estilo de rock
psicodélico que fusionaba rock con ritmos
afroamericanos y latinos. Los primeros miembros de la banda fueron Carlos
Santana (guitarra principal), Gregg Rolie (vocalista y órgano Hammond), Marcus
Malone (percusión), Rod Harper (batería) y Gus Rodríguez (bajo).
La primera actuación del grupo fue a finales del
verano de 1967 en el Avalon Ballroom de San Francisco, en un concierto organizado
por los Family Dog de Chet Helms. Después de este evento Carlos Santana y Gregg
Rolie reformaron la banda con la entrada de Mike Carabello (percusión),
José "Chepito" Areas (percusión), Michael Shrieve (batería) y David
Brown (bajo). Esta formación se mantendría en activo durante toda la etapa
psicodélica de la banda, que finalizaría en el año 1971 tras la edición de su
tercer larga duración.
Antes de que se celebrara el Festival de Woodstock
en agosto de 1969, el organizador de éste, Michael Lang, viajó a San Francisco
para que Bill Graham le ayudara en la logística y planificación. Bill accedió a
prestar su ayuda sólo si alguna de las nuevas bandas que estaba promocionando
se añadía a la lista de grupos del festival, la banda elegida fue la Santana Blues
Band. Ya es historia su memorable actuación interpretando por primera vez en
directo “Soul Sacrifice”.
Formación de Santana en 1969
Un mes después de su actuación en Woodstock la banda sacó al mercado su primer larga duración, Santana I. Este disco contiene grandes canciones como son el instrumental “Waiting”, “Evil Ways”, “Jingo” o “Soul Sacrifice”.
En septiembre de 1970 se editó su segundo álbum, que titularon “Abraxas”.
Este disco muestra la maduración musical de la banda, conteniendo
un sonido más refinado, a través de piezas como la versión del “Black Magic Woman” que Peter Green compuso para los primeros Fleetwood Mac, o los
instrumentales “Incident at Neshabur” y “Samba Pa Ti”. El título del álbum, cuya
portada incluye una pintura llamada “La Anunciación”
que Mati Klarwein elaboró en 1964, está tomado de una cita del “Demian”
de Hermann Hesse, un libro muy leído en aquellos años en el entorno de la
contracultura. En la contraportada del
álbum se puede leer esta frase del libro: “Nos
paramos ante ella y comenzamos a quedarnos helados del esfuerzo. Cuestionamos
la pintura, la reprendemos, le hacemos el amor, le rezamos. La llamamos madre,
la llamamos puta y vulgar, la llamamos nuestra amada, la llamamos Abraxas”.
La palabra “Abraxas” era grabada en ciertas piedras, llamadas “Piedras Abraxas”, por algunas civilizaciones
antiguas, las cuales fueron usadas posteriormente
como talismán por determinadas sectas gnósticas.
Portada del álbum Abraxas
THE STEVE MILLER BAND
Otra
importante banda de San Francisco fue The Steve Miller Band. Comenzaron su
andadura en 1966 con el nombre de The Steve Miller Blues Band (influido por la Paul Butterfield Blues Band, con quien había colaborado en Chicago), haciendo rock
blues psicodélico, con Steve Miller en la guitarra, voz principal y harmónica;
James Cooke en la segunda guitarra; Lonnie Turner al bajo; Tim Davis a la
batería; y Jim Peterman al órgano Hammond B3 y al mellotron. Su primera
grabación la realizaron como músicos de acompañamiento del legendario Chuck
Berry, en un concierto que el músico de rock ofreció en el Fillmore West de San
Francisco en junio de 1967 y que fue lanzado como álbum en vivo, con el nombre
de “Live at Fillmore Auditorium”. Ese mes también se presentaron en los dos
importantes festivales californianos de música psicodélica, Magic Mountain Festival
y Monterey Pop Festival.
Para la grabación de su primer larga duración “Children of the Future”, grabado a comienzos de 1968, habían acortado su nombre a The Steve Miller Band, y el guitarrista Boz Scaggs, amigo de Steve Miller, también se había unido a la banda para sustituir a James Cooke. El estilo del álbum es una mezcla de blues y rock psicodélico que refleja el ambiente del resurgimiento del blues británico, lo cual no sorprende ya que el disco fue grabado en Londres (en los Olympic Studios). La mayoría de las canciones fueron escritas por Steve Miller antes de fundar la banda. El tema “Baby's Callin' Me Home” fue escrito por el guitarra de la banda, Boz Scaggs, que luego alcanzó fama mundial en solitario.
The Steve Miller Band en 1968
En su etapa psicodélica grabaron dos discos más, “Sailor” (editado en octubre de 1968) y “Brave New World” (lanzado a mediados de 1969.
“Sailor” presenta un sonido de rock blues psicodélico. La canción “Living in the USA” alcanzó las listas de éxitos en una versión que en 1969 realizó la banda Wilmer & the Dukes. Otro tema del disco, “Quicksilver Girl”, fue incluido en la película The Big Chill (Reencuentro) de 1984.
Para la grabación de “Brave New World” habían abandonado la banda Boz Scaggs y Jim Peterman, y Ben Sidran reemplazó a Jim Peterman en los teclados. En la grabación de algunos de los cortes de este álbum colaboró Paul McCartney, con el pseudónimo de Paul Ramon. Indicar que la banda neoyorkina The Ramones tomo su nombre de este pseudónimo que utilizaba Paul McCartney para pasar desapercibido.
Paul McCartney participó en la canción “My Dark Hour” en los coros, batería, guitarra y bajo. También hace coros en el tema “Celebration Song”. La canción “My Dark Hour” se grabó en una sesión nocturna, el 9 de mayo de 1969, después de una fuerte discusión entre McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Starr sobre la firma de un contrato que designaba a Allen Klein como gerente financiero de The Beatles. Lennon, Harrison y Starr se marcharon, mientras que McCartney permaneció en los Olympic Studios de Londres. Steve Miller fue el único miembro de la banda que asistió a la grabación, y la canción surgió de una jam sesión con Paul McCartney.
El riff principal de guitarra de “My Dark Hour” también se usó en la canción principal del álbum “Fly Like an Eagle” de la Steve Miller Band, lanzado en 1976.
El tema “Space Cowboy” usa el mismo riff de guitarra que la canción de los Beatles “Lady Madonna”, debido quizás a la participación de McCartney en “My Dark Hour” y al permiso de los autores.
The Steve Miller Band es hoy conocida por una serie de éxitos de los años 70 y 80, considerados temas clásicos de la música rock, como son “The Joker”, de 1971; “Rock'n Me” y “Fly Like an Eagle”, de 1976; “Serenade” y “Jet Airliner”, de 1977; o “Abracadabra” de 1982. El grupo murciano M Clan lanzó una versión de Serenade en 1999, con el nombre de “Llamando a la Tierra”, que tuvo gran éxito.
IRON BUTTERLY
Una de las bandas psicodélicas pionera en grabar un tema que ocupase toda la cara de un disco de larga duración (LP) fue Iron Butterfly, con el éxito “In-A-Gadda-Da-Vida” publicado en junio de 1968, en la cara B del disco del mismo nombre. La canción se desarrolla durante diecisiete minutos e incluye un memorable riff de guitarra y bajo, que sirve como base para desarrollar extensos solos de órgano y guitarra, que son interrumpidos a la mitad por un largo solo de batería, uno de los primeros que se incluyeron en una grabación de un grupo de rock y que es considerado uno de los más famosos en este género. Anteriormente otras bandas psicodelicas ya habían grabado extensos temas que duraban toda una cara de un LP, es el caso de Love, que en noviembre de 1966 dedicó la cara B de su álbum Da Capo al tema “Revelatión” de 19 minutos de duración, o de Frank Zappa, que en junio de 1966 dedicó la cara cuatro de su doble álbum Freak Out! al tema “The Return of the Sonof Monster Magnet” de 12 minutos de duración.
Portada del álbum In-A-Gadda-Da-Vida
In-A-Gadda-Da-Vida fue el segunda larga duración de Iron Butterfly, a comienzos de 1968 habían publicado su álbum de debut “Heavy” (las dos primeras canciones del álbum, “Unconscious Power” y “Possession”, fueron lanzadas como sencillo cuando se publicó el álbum). En la época que grabaron “In-A-Gadda-Da-Vida” la banda estaba formada por Doug Ingle (voz y órgano), Lee Dorman (bajo), Ron Bushy (batería) y Erik Brann (guitarra y voz). La canción del título es considerada “el resumen o epítome de lo que fue el gran exceso de la psicodelia”.
Iron Butterfly
realizó su primera gira acompañando a Jefferson Airplane en el verano de 1968.
El grupo fue contratado para tocar en Woodstock en agosto de 1969, pero quedó
atrapado en el aeropuerto de La Guardia debido al monumental atasco que se
produjo en los accesos al recinto del festival, por lo cual no pudieron actuar.
La banda publicó dos álbumes más de estilo
psicodélico, “Ball” (en enero de 1969) y “Metamorphosis” (en agosto de1970), pero no llegaron a alcanzar el éxito
de “In-A-Gadda-Da-Vida”.
LA PSICODELIA LONDINENSE
THE BEATLES
El conocido e
influyente cuarteto de Liverpool, The Beatles, tuvo su primer contacto con la
psicodelia en junio de 1965 durante su gira por América. En un descanso de sus
actuaciones en la ciudad de Los Ángeles le alquilaron una casa a la actriz Zsa
Zsa Gabor en el barrio de Beverly Hills, donde celebraron una fiesta a la que
acudieron invitados como Roger McGuinn y David Crosby de The Byrds y el actor
Peter Fonda, entre otros.
En la fiesta corrió la
marihuana y el LSD, y se habló de la nueva contracultura y la influencia que en
ella tenía la música oriental y los viajes lisérgicos, así como de las
alucinaciones y la sensación de salir de uno mismo. Aunque George Harrison ya
había visto por primera vez una banda india mientras rodaban la película
“Help!”, fueron Roger McGuinn y David Crosby quienes dieron a conocer a George
la música del maestro indio del sitar Ravi Shankar, al que habían conocido a
través de un amigo. David y Roger compusieron posteriormente la música de la
canción Why de The Byrds influenciados por la música de Sankar, Roger emulaba
el sonido del sitar en su guitarra Rickenbacker de doce cuerdas. George
Harrison quedó fascinado y se compró el instrumento, citándose con Shankar a su
vuelta a Londres para que le enseñase los rudimentos básicos para hacer sonar
esa especie de guitarra con dos decenas de cuerdas. George incorporó el sitar
por primera vez en la canción “Norwegian Wood (This Bird Has Flown)”
del álbum Rubber Soul de The Beatles publicado a finales de 1965.
La música india y el
LSD fueron las influencias más importantes en el cambio que experimentó la
música de los Beatles entre los años 1965 y 1968. La droga, en particular, jugó
un papel fundamental en las experimentaciones que realizaba el grupo en el
estudio en ese período.
La primera canción
psicodélica lanzada por The Beatles fue “Rain”, grabada en las sesiones del
álbum Revolver en abril de 1966. Un sencillo con Paperback Writer salió al
mercado a mediados de ese año y como cara B aparecía la canción “Rain”.
Revolver se grabo
entre abril y junio de 1966, y su lanzamiento tuvo lugar a comienzos de agosto
de 1966, una semana antes de la última gira de The Beatles. Las sesiones de
grabación de este álbum marcaron el encuentro de la banda con la música
psicodélica, donde además de “Rain” grabaron la canción “Tomorrow Never Knows”, que contiene una letra de John Lennon inspirada en la obra de
Timothy Leary “The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book
of the Dead” (La experiencia psicodélica: un manual basado en el libro tibetano
de los muertos). El disco también incluye la canción “She Said She Said” sobre
un episodio vivido con Peter Fonda en la fiesta de Beverly Hills del año 1965.
El larga duración
“Revolver” contiene sofisticadas composiciones, experimentación de estudio y un
gran repertorio de estilos musicales, desde innovadores arreglos de música
clásica hasta rock psicodélico e influencias de la música india. Es el caso del
tema “Love You To” compuesto y cantado por George Harrison, que se ayuda de
instrumentos como la tabla (un par de tambores indios tocados a mano), el sitar
y un tambura indio, usado para producir los característicos zumbidos. La
canción "Tomorrow Never Knows" fue compuesta y cantada por John Lennon,
acompañado por un gran despliegue de efectos sonoros, con elementos cogidos de
la música india.
Revolver es un álbum
muy distinto a lo que The Beatles habían hecho anteriormente y se le considera
el origen de la explosión de la psicodelia a nivel global, hasta entonces
restringida a la ciudad californiana de San Francisco.
El álbum “Sgt.
Pepper's Lonely Hearts Club Band” (la Banda del Club de los Corazones
Solitarios del Sargento Pimienta) fue publicado en junio de 1967. Este disco
está considerado como la obra más importante de la psicodelia británica y
contiene piezas tan importantes como “Lucy in the Sky with Diamonds”, “Within You Without You” o “Lovely Rita”. De las sesiones de grabación se extrajo en
primer lugar el sencillo “Strawberry Fields Forever”, con “Penny
Lane” como cara B, que fue lanzado en febrero de 1967. La imagen de los
cuatro Beatles también cambió de manera radical, adentrándose en el papel de la
banda del “Sgt. Pepper” y reflejando la creciente influencia de la estética
hippie. Se dejaron crecer las patillas y el bigote, y sus peinados cambiaron.
Los trajes clásicos que usaban fueron reemplazados por psicodélicos uniformes
militares. Según McCartney el uso del nombre de la banda del “Sgt. Pepper”
tenía como objetivo alterar sus identidades para liberarse y divertirse.
Además, el nombre “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” estaba ligado a la
tendencia californiana de poner largos nombres a los grupos, como era el caso
de “Country Joe and the Fish”, “Quicksilver Messenger Service” o “Big Brother
and the Holding Company”.
Foto que apareció en la carpeta interior del álbum “Sgt.
Pepper's Lonely Hearts Club Band”
El 25 de junio de 1967
interpretaron en directo la canción “All You Need is Love” para las
televisiones de todo el mundo a través de “Our World”, el primer programa
transmitido vía satélite para todo el mundo. La canción fue lanzada en disco
sencillo una semana más tarde y su aparición en pleno “Summer of Love” (Verano
del Amor) hizo que se convirtiera en uno de los himnos del “flower power”.
A comienzos de
diciembre de 1967 se lanzó el doble EP “Magical Mystery Tour” con seis
canciones de la banda sonora de la película que los Beatles grabaron para la
televisión, un especial de una hora de duración que fue emitido a través de la
cadena BBC TV el 26 de diciembre de 1967. Este disco seguía el mismo estilo que
el “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”, con sonidos psicodélicos que
incluso se encuentran más acentuados en algunas de sus cortes (especialmente en
los collages sonoros del tema “I Am the Walrus”). Las canciones de este disco
son consideradas como “enormes, gloriosas e innovadoras”.
En enero de 1968, los
Beatles filmaron un cameo para la película de animación Yellow Submarine, que
incluía versiones de dibujos animados de los miembros de la banda con una banda
sonora que incluía once de sus canciones, con cuatro grabaciones de estudio
inéditas que debutaron en la película. El filme se proyectó en los cines en
junio de 1968 y fue elogiado por los críticos por su excelente música, buen
humor e innovador estilo visual. Para George Harrison el tema “It's All Too Much” es la joya de las cuatro canciones que grabaron para la
película, este tema compuesto por él resplandece con el remolino sonoro
originado por el uso del mellotrón, la original percusión y el “feedback” de la
guitarra. Es una virtuosa excursión al mundo de la psicodelia.
Con la película Yellow
Submarine finaliza la etapa psicodélica (1965-1968) de The Beatles y la buena
harmonía existente entre los componentes del grupo. El doble álbum The Beatles,
también conocido como “doble Álbum Banco”, fue grabado entre mayo y octubre de
1968 con muchas disputas entre los miembros de la banda, lo cual trajo consigo
el comienzo del fin del grupo, cuya ruptura se produjo oficialmente en
diciembre de 1970, aunque no fue formalizada hasta diciembre de 1974.
THE ROLLING STONES
En sus comienzos The
Rolling Stones tenían como raíces musicales el Rock and Roll y el Blues. En el
año 1964 llegaron a ser enormemente populares en EEUU, siendo identificados con
la contracultura juvenil de los años sesenta.
La banda descubrió la
psicodelia a través de The Beatles en 1965. El primer álbum de The Rolling
Stones con contenido psicodélico fue Aftermath grabado entre diciembre de 1965
y marzo de 1966, que salió al mercado en la primavera de 1966. También fue el
primer larga duración en el cual todas las canciones fueron compuestas por el
tándem Jagger y Richards, con una notable contribución en los arreglos del
guitarrista Brian Jones, el más influenciado por los emergentes sonidos
psicodélicos. En este disco Brian, además de tocar la guitarra y la armónica
como hacía habitualmente, también utilizó otros instrumentos. En el tema con harmonías
de Oriente Medio “Paint It, Black” usó por primera vez el sitar, en la balada
“Lady Jane” toca el dulcimer (un instrumento de cuerda que pertenece a la familia
del salterio) y en “Under My Thumb” añadió marimbas. El tema que abre el disco
“Mother's Little Helper” es una de las primeras canciones en abordar el tema
del abuso de drogas con receta médica.
El grupo comenzó con
Aftermath un corto período de experimentación musical de dos años que finalizó
con el álbum eminentemente psicodélico “Their Satanic Majesties Request”
editado a finales de 1967.
Entre agosto de 1966 y
enero de 1967 grabaron su segundo álbum con contenido psicodélico “Between the
Buttons”, que salió al mercado a comienzos de 1967. De las sesiones de
grabación publicaron en septiembre de 1966 un sencillo con la canción “Have You Seen Your Mother, Baby, Standing In The Shadow?”, en la que usan una sección de
viento de trompa (también conocida como corno francés). En estas sesiones
también compusieron los temas “Let's Spend the Night Together” y “Ruby Tuesday”, que publicaron en un disco sencillo en enero de 1967.
A comienzos de 1967 el
periódico sensacionalista “News of the World” (Noticias del Mundo”) publicó una
serie de artículos con el título “Pop Stars and Drugs: Facts That Will Shock
You” (Las estrellas del pop y las drogas: hechos que te impactarán) denunciando
las fiestas que organizaban destacados músicos de pop en las que supuestamente
se consumían drogas como el LSD, la marihuana y el hachís. El primer artículo
hacía referencia a Donovan (cuyo domicilio fue registrado por la policía, con
una posterior acusación al cantante por consumo de drogas).
La segunda entrega,
publicada el 5 de febrero de 1967, estuvo dedicada a The Rolling Stones. El
periodista que redactó el reportaje afirmaba haber visto a Mick Jagger tomar
varias tabletas de benzedrina en un club privado de Londres, mostrando
posteriormente a sus compañeros del grupo un trozo de hachís con la intención
de que fueran a su casa a fumarlo. En realidad a quien el periodista había
escuchado fue a Brian Jones. El día en el que apareció el artículo, Jagger
anunció su intención de presentar una demanda contra el periódico por
difamación.
Una semana más tarde,
el 12 de febrero, la policía fue informada por el “News of the World” de que se
estaba celebrando una fiesta en la casa de Keith Richards. La policía se
presentó allí para realizar el correspondiente registro, redactando una
denuncia en la que acusaron a Mick Jagger y Keith Richard de posesión de
drogas.
En marzo de 1967,
mientras esperaban las consecuencias del registro policial, Mick Jagger, Keith
Richards y Brian Jones viajaron a Marruecos, en compañía de Marianne Faithfull
y de Anita Pallenberg, que en aquellos momentos eran pareja de Mick Jagger y
Brian Jones, respectivamente. Durante el viaje Jones y Pallenberg tuvieron una
fuerte discusión que originó la ruptura de la pareja. Anita dejó Marruecos
acompañada por Keith Richards, convirtiéndose en pareja sentimental de este
último. Brian quedó muy afectado por este hecho, lo cual supuso que se fuese
alejando de la banda poco a poco. A pesar de estas complicaciones, The Rolling
Stones hicieron una gira por Europa entre marzo y abril de 1967, en la que
realizaron las primeras actuaciones de la banda en Polonia, Grecia e Italia
El 10 de mayo de 1967,
el mismo día en que Jagger, Richards fueron informados por el juzgado de los
cargos que tenían por el registro del mes de febrero, la policía se presentó en
la casa de Brian Jones para registrarla, siendo arrestado y acusado de posesión
de cannabis. Tres de los cinco Rolling Stones se enfrentaban en esos momentos a
cargos por posesión de drogas. Brian Jones viajó a California en el mes de
junio para asistir como espectador al Monterey International Pop Music
Festival, invitado por los organizadores, donde el domingo 18 de junio presentó
la actuación de The Jimi Hendrix Experience. Brian estuvo acompañado por Nico
durante las actuaciones, fueron el rey y la reina del Monterey Pop Festival.
Nico y Brian Jones en el Monterey Festival
El juicio de Jagger y
Richards se celebró el 29 de junio, Jagger fue condenado a tres meses de
prisión por poseer cuatro tabletas de anfetaminas; Richards fue declarado
culpable de permitir que se fumara cannabis en su propiedad y sentenciado a un
año de prisión. Ambos fueron encarcelados al momento, pero salieron al día
siguiente en libertad bajo fianza, pendientes de la sentencia de apelación. El
periódico The Times publicó un artículo escrito por su editor, de ideas
conservadoras, titulado “Who breaks a butterfly on a wheel?” (¿Quién estrella
una mariposa sobre una rueda?), que sorprendió a los lectores por su discurso
inusualmente crítico hacia la sentencia, señalando que Mick Jagger había sido
tratado con más dureza que “cualquier joven anónimo” por un delito menor.
Mientras esperaban la
sentencia de apelación la banda grabó la canción “We Love You”, que salió con “Dandelion”
como cara B, en agradecimiento a la lealtad mostrada por sus seguidores. “We Love You” comienza con el sonido de la entrada de un reo encadenado a una
prisión y el `posterior cierre de la puerta de la celda. El clip musical de la
canción incluye alusiones al juicio de Oscar Wilde, que fue juzgado por una
acusación infundada de homosexualidad. El 31 de julio, la corte de apelaciones
anuló la condena de Richards y la sentencia de Jagger se redujo a una
condicional. El juicio de Brian Jones tuvo lugar en noviembre de 1967; en
diciembre, después de apelar la sentencia de prisión original, Jones fue
condenado a pagar 1.000 libras esterlinas y pasar tres años de libertad
condicional, además debía buscar ayuda profesional para dejar sus adicciones
El álbum “Their
Satanic Majesties Request” (Petición a Sus Satánicas Majestades) fue grabado
entre febrero y octubre de 1967, saliendo al mercado en diciembre de 1967. Su
elaboración coincidió en el tiempo con los problemas judiciales de Jagger,
Richards y Jones, siendo grabado por tanto en circunstancias difíciles.
Portada del álbum “Their
Satanic Majesties Request”
En las sesiones de
grabación la banda experimentó en el estudio con el sonido psicodélico,
incorporando instrumentos no convencionales, efectos de sonido, arreglos de
cuerdas y ritmos africanos. El título del álbum es una clara alusión al texto
que aparece en los pasaportes británicos “Her Britannic Majesty requests and
requires...” (…pide y solicita a Su Majestad Británica),
“Their Satanic
Majesties Request” fue el primer álbum que los componentes de The Rolling
Stones produjeron por su cuenta. La portada del álbum se complementa
perfectamente con el sonido psicodélico de su interior; fue diseñada por
Michael Cooper, quien también había diseñado la portada del “Sgt. Pepper's Lonely
Hearts Club Band” de The Beatles. El bajista de la banda, Bill Wyman, compuso y
cantó la canción “In Another Land”, que también fue lanzada como disco
sencillo, siendo el primer álbum en el que Mick Jagger no canta la totalidad de
las canciones. El álbum contiene joyas psicodélicas como “2000 Light Years From Home”.
El disco fue criticado
en su momento por su parecido al “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” de The
Beatles, que salió al mercado en junio de 1967. Tiempo después fue reconocida
la calidad que tienen las canciones del álbum.
Este fue el último
álbum con sonidos psicodélicos publicado por The Rolling Stones, en el
siguiente, Beggars Banquet, regresan a sus raíces de rock y blues. Además
durante la grabación de este disco se produjo el alejamiento definitivo de
Brian Jones de la banda.
La última vez que
apareció Brian Jones formando parte de The Rolling Stones fue a finales de 1968
durante el rodaje de la película “Rolling Stones Rock and Roll Circus”. El
filme incluye varios conciertos en un escenario de circo donde actúan la banda
y otros invitados como The Who, Taj Mahal, Marianne Faithfull y Jethro Tull.
También aparecen John Lennon y Yoko Ono formando parte de un supergrupo llamado
The Dirty Mac, compuesto por Eric Clapton, Mitch Mitchell y Keith Richards.
Brian Jones abandonó
oficialmente The Rolling Stones a comienzos de junio de 1969. El 3 de julio fue
encontrado ahogado en la piscina de su casa en extrañas circunstancias nunca
resueltas. El 5 de julio The Rolling Stones tenían planificado ser cabeza de
cartel en un festival que se celebraría en el Hyde Park de Londres, donde
presentarían a su nuevo guitarrista Mick Taylor. La actuación fue finalmente un
homenaje inesperado a su desaparecido compañero Brian Jones, ante una audiencia
de alrededor de 250.000 personas. Una de las bandas que actuaron en el festival
fue King Crimson, que hicieron su presentación oficial como grupo.
El sábado 6 de de
diciembre de 1969 The Rolling Stones fueron cabezas de cartel del Altamont
Speedway Free Festival, celebrado en una localidad situada a 50 kilómetros de
San Francisco. En el festival estaban
anunciadas las actuaciones de “Santana”, “Jefferson Airplane”, “The Flying
Burrito Brothers”, “Crosby, Stills, Nash & Young”, “The Grateful Dead” y
“The Rolling Stones”. La errónea contratación de los Hell´s Angels (Ángeles del Infierno) como
servicio de seguridad causó que el festival fuese un desastre, producido por la
alta dosis de violencia generada por esta asociación de motoristas. Durante la
actuación de Jefferson Airplane un ángel del infierno golpeó con un soporte de
micro a Marty Balin, cantante de la banda, dejándolo inconsciente; The Grateful
Dead que debían actuar antes de The Rolling Stones se negaron a salir a escena
ante el mal ambiente que se respiraba en el recinto. Durante la actuación de
The Rolling Stones la banda tuvo que interrumpir dos veces su actuación para
calmar los ánimos, en la ejecución de las canciones “Sympathy for the Devil”
(Simpatía por el diablo) y “Under My Thumb” (Bajo mi pulgar). En la
interpretación de “Under My Thumb” un ángel del infierno acuchilló al joven
de color Meredith Hunter.
El festival de Altamont fue lo opuesto al festival de Woodstock, celebrado cuatro meses antes, y marca el final del “flower power” o era hippie, de la inocencia encarnada por Monterey o Woodstock. The Rolling Stones pusieron punto y final a los tres años del “Summer of Love” (Verano del Amor) en su concierto de Altamont.
El festival de Altamont fue lo opuesto al festival de Woodstock, celebrado cuatro meses antes, y marca el final del “flower power” o era hippie, de la inocencia encarnada por Monterey o Woodstock. The Rolling Stones pusieron punto y final a los tres años del “Summer of Love” (Verano del Amor) en su concierto de Altamont.
PINK FLOYD
Si ha
existido una banda británica que en sus comienzos más se identificara con la
psicodelia esa fue Pink Floyd, y sobre todo el primer guitarrista y cantante
del grupo, Syd Barret.
Pink Floyd se fundó en 1965 con Syd Barrett, guitarra y voz principal; Roger Waters, bajo y voz de acompañamiento; Richard Wright, teclados y voz de acompañamiento; y Nick Mason, batería. El nombre se deriva de los nombres de dos músicos de blues que Syd Barrett tenía en su colección de discos: Pink Anderson and Floyd Council.
Comenzaron actuando en directo en el Countdown Club de Londres, situado en Kensington High Street, donde desarrollaban tres series de actuaciones de 90 minutos. Durante este período, impulsados por la necesidad de extender sus interpretaciones para minimizar la repetición de canciones, la banda descubrió que éstas se podrían alargar en el tiempo ejecutando largos solos. A finales de 1965 el grupo llamó a su sonido el Pink Floyd Sound.
En sus actuaciones en el Countdown Club comenzaron a experimentar con rudimentarios pero efectivos espectáculos de luces y proyecciones en diapositivas coloreadas. La prensa londinense se hizo eco de sus actuaciones, el Sunday Times publicó lo siguiente: “En el lanzamiento de la nueva revista IT la otra noche un grupo pop llamado Pink Floyd tocó música mientras una serie de extrañas formas coloreadas destellaban en una enorme pantalla situada detrás de ellos produciendo efectos muy psicodélicos”.
A finales de 1966 la banda pasó a actuar en el UFO Club de Londres, situado en Tottenham Court Road. En nombre del local no hacia referencia a ningún OVNI, sino que es un contracción de la palabra “eUFOria, vocalización de “euphoria" en inglés. En sus comienzos el club se presentaba como “UFOria! presents Night Tripper".
Pink Floyd se fundó en 1965 con Syd Barrett, guitarra y voz principal; Roger Waters, bajo y voz de acompañamiento; Richard Wright, teclados y voz de acompañamiento; y Nick Mason, batería. El nombre se deriva de los nombres de dos músicos de blues que Syd Barrett tenía en su colección de discos: Pink Anderson and Floyd Council.
Comenzaron actuando en directo en el Countdown Club de Londres, situado en Kensington High Street, donde desarrollaban tres series de actuaciones de 90 minutos. Durante este período, impulsados por la necesidad de extender sus interpretaciones para minimizar la repetición de canciones, la banda descubrió que éstas se podrían alargar en el tiempo ejecutando largos solos. A finales de 1965 el grupo llamó a su sonido el Pink Floyd Sound.
En sus actuaciones en el Countdown Club comenzaron a experimentar con rudimentarios pero efectivos espectáculos de luces y proyecciones en diapositivas coloreadas. La prensa londinense se hizo eco de sus actuaciones, el Sunday Times publicó lo siguiente: “En el lanzamiento de la nueva revista IT la otra noche un grupo pop llamado Pink Floyd tocó música mientras una serie de extrañas formas coloreadas destellaban en una enorme pantalla situada detrás de ellos produciendo efectos muy psicodélicos”.
A finales de 1966 la banda pasó a actuar en el UFO Club de Londres, situado en Tottenham Court Road. En nombre del local no hacia referencia a ningún OVNI, sino que es un contracción de la palabra “eUFOria, vocalización de “euphoria" en inglés. En sus comienzos el club se presentaba como “UFOria! presents Night Tripper".
El sonido psicodélico de Pink Floyd fue mucho mejor recibido en el UFO Club, comenzando a tener gran
número de admiradores. En las actuaciones Syd Barrett se disparaba causando la
admiración de los asistentes, giraba sobre sí mismo de forma alocada y
realizaba inspiradas improvisaciones que ninguno de los otros componentes
podían ejecutar.
Su primer sencillo se publico en marzo de 1967, con “Arnold Layne” en la cara A y “Candy and a Currant Bun” en la cara B. El segundo se publicó en junio de 1967, conteniendo “See Emily Play” en la cara A y “The Scarecrow” en la cara B.
La primera presentación de la banda en TV fue en el programa “Look of the Week” de la BBC, donde Syd Barrett y Roger Waters, eruditos y comprometidos, se enfrentaron a una dura entrevista del presentador Hans Keller. También aparecieron en el popular programa “Top of the Pops” de la BBC, que exigía a los artistas que actuasen en playback. Aunque Pink Floyd regresó para dos presentaciones más, en la tercera Barrett había comenzado a desvariar, y fue alrededor de este tiempo que los restante miembros de la banda notaron los primeros cambios significativos en su comportamiento. A comienzos de 1967 consumía regularmente LSD y su actitud era totalmente distanciada de todo lo que pasaba a su alrededor.
“The Piper at the Gates of Dawn”
Las sesiones de grabación de “The Piper at the Gates of Dawn” (El flautista en la puertas de amanecer) comenzaron a mediados de febrero de 1967 y fue durante este proceso cuando Syd Barret aumentó su consumo de LSD. El álbum está compuesto por dos clases diferentes de canciones: las largas improvisaciones que desarrollaban durante sus actuaciones (“Astronomy Domine”, “Pow R. Toc H.”, “Take Up Thy Stethoscope and Walk” e “Interstellar Overdrive”) y otras canciones más cortas que Syd Barrett tenía escritas. Ocho de los cortes del álbum fueron escritos por Syd, uno por Roger Waters (“Take Up Thy Stethoscope and Walk”) y dos por todos los miembros de la banda (“Pow R. Toc H.” e “Interstellar Overdrive”). “Lucifer Sam” inicialmente recibió el nombre de “Percy the Rat Catcher", apareciendo finalmente en el álbum con el primer nombre. También grabaron “She Was a Millionaire” que no aparece en el álbum.
“The Piper at the Gates of Dawn” salió al mercado en agosto de 1967. Pink Floyd continuó atrayendo grandes multitudes al UFO Club; sin embargo, los problemas mentales de Syd Barrett provocaban serios problemas. El grupo esperaba inicialmente que su comportamiento errático fuera algo pasajero; el asistente de Syd comentó: “Encontré a Syd en el vestuario y estaba como perdido, Roger Waters y yo lo pusimos en pie y lo sacamos al escenario ... la banda empezó a tocar y Syd se quedó allí, con la guitarra en el cuello y los brazos colgando”.
Debido a los problemas de Barret se vieron obligados a cancelar su aparición en el prestigioso National Jazz and Blues Festival y otras actuaciones programadas, el grupo informó a la prensa musical que Barrett sufría de agotamiento nervioso. Roger Waters organizó una reunión con un psiquiatra, y aunque llevó personalmente a Barrett a la cita, éste se negó a salir del coche. Una estancia en Formentera con un médico bien establecido en la escena musical underground no condujo a una mejora visible. La banda hizo unas pocas fechas de conciertos en Europa durante el mes de septiembre y su primera gira por Estados Unidos en octubre. A medida que la gira americana avanzaba los problemas de Barrett crecían sin cesar. Durante las apariciones en los programas de Dick Clark y Pat Boone en noviembre, Barrett confundió a sus anfitriones al no responder a las preguntas y mirar fijamente al espacio. Se negó a mover los labios cuando llegó el momento de hacer playback en la interpretación de “See Emily Play” en el programa de Boone. Después de estos embarazosos episodios el grupo cancelo su gira por Estados Unidos y regresaron a Londres. Poco después de su regreso acompañaron a The Jimi Hendrix Experience durante su gira por Inglaterra. Sin embargo, la depresión de Barrett empeoró a medida que la gira continuaba, llegando a su punto culminante de crisis en diciembre. La banda tomó entonces la decisión de incorporar a un nuevo guitarrista.
En diciembre de 1967 Pink Floyd añadió a David Gilmour como guitarra de refuerzo. Gilmour era conocido de Syd Barrett desde comienzos de los años 60, ya que habían sido compañeros de estudios en Cambridge y viajado en autostop por el sur de Francia, además habían tocado canciones juntos con sus guitarras y armónicas. La banda tenía la intención de continuar con Barrett como compositor de las canciones, la idea era que David cubriera las excentricidades de Barrett en directo, y cuando eso no fuera viable Syd sólo se dedicaría escribir para intentar mantenerlo involucrado. En una expresión de su frustración Barrett hizo que sus composiciones fueran cada vez más difíciles y abstractas, como «Have You Got It, Yet?», con cambios de melodías y progresiones armónicas para hacer que la canción fuera imposible de seguir y aprender, lo que hizo que sus compañeros rechazaran el acuerdo. El último concierto de Barrett con el grupo fue el 20 de enero de 1968 en Hastings, al sur de Inglaterra. En abril la banda anunció oficialmente su salida.
Después de la partida de Barrett, la composición lírica y la dirección creativa recayó en Roger Waters. Al comienzo Gilmour imitaba la voz de Barrett en las apariciones en televisión del grupo, sin embargo en sus actuaciones en el circuito universitario evitaban las canciones de Barrett a favor de las composiciones de Waters y Wright, como “It Would So So Nice” y “Careful with That Axe, Eugene”.
“Jugband Blues” fue escrita y cantada por Syd Barret, siendo su contribución final a la banda. En “Remember a Day” toca la guitarra acústica y la slide, y en “Set the Controls for the Heart of the Sun” aparece tocando la guitarra eléctrica conjuntamente con David Gilmour.
Roger Waters se convirtió en este album en el compositor principal con “Set the Controls for the Heart of the Sun”, “Let There Be More Light” y “Corporal Clegg”. Richard Wright compuso “See-Saw” y “Remember a Day”.
El álbum salió al mercado a finales de junio a finales con una psicodélica portada diseñada por Hipgnosis.
Al día siguiente del lanzamiento del álbum en el Reino Unido, Pink Floyd se presentó en un concierto gratuito en el Hyde Park de Londres. En julio de 1968 hicieron su segunda gira por los Estados Unidos, acompañados por Soft Machine y The Who, que se puede considerar la primera gira significativa de Pink Floyd.
En diciembre de ese año, lanzaron el sencillo “Point Me at the Sky”, que sería el último de la banda hasta el lanzamiento de "Money" en 1973.
More
Entre febrero y mayo de 1969 Pink Floyd grabaron, a petición del director Barbet Schroeder, la serie de canciones que aparecerían en la banda sonora de la película “More”, que se estrenaría en mayo de 1969. El álbum con las composiciones del filme se editaría dos meses después.
“More” es un álbum de rock psicodélico que contiene algunas baladas acústicas de estilo folk, un género que escasamente aparecería en trabajos posteriores. También contiene algunas de las grabaciones más “heavies” de la banda, como “The Nile Song” o “Ibiza Bar”, así como varias pistas instrumentales con un enfoque experimental y vanguardista: “Up the Khyber”, “Party Sequence”, “Main Theme”, “Quicksilver” y “DramaticTheme”.
Este es el primer álbum sin el fundador Syd Barrett y es uno de los tres álbumes de Pink Floyd con David Gilmour como vocalista principal.
Hay dos canciones que se pueden escuchar en la película y que no fueron incluidas en el álbum: “Seabirds” y “Hollywood”.
“More” es una película producida en Luxemburgo por el director de origen suizo Barbet Schroeder y protagonizada por Mimsy Farmer y Klaus Grünberg, cuyos exteriores fueron rodados en París y en la isla de Ibiza por Néstor Almendros. La película fue seleccionada para ser proyectada en 2015 en la sección Cannes Classics del Festival de Cine de Cannes.
El filme aborda los temas de las drogas y el erotismo tal como eran en el mundo occidental a finales de los años 60, razón por la que sufrió recortes y censura en varios países, entre ellos España. Es considerada como una película de culto, en parte por la música compuesta específicamente para la película por Pink Floyd y por su narrativa totalmente abierta hacia el consumo de drogas y el sexo libre, temas que la mayor parte de cineastas y productores de esa época trataban de evitar.
La narrativa del filme trata sobre un joven alemán, Stefan Brückner (Klaus Grünberg), que tras acabar la carrera de exactas, emprende un viaje en autostop que lo llevará a París desde la ciudad alemana de Lübeck. Allí conoce a una guapa chica americana de espíritu libre llamada Estelle Miller (Mimsy Farmer) y la sigue a Ibiza. A pesar de las advertencias que recibe de un amigo sobre Estelle, Stefan acepta la invitación de ésta de acompañarla hasta Ibiza. Allí se desarrollará una historia de amor libre y drogas. Un retrato de la escena hippie de aquellos años centrado especialmente en la vida de las comunas en Ibiza.
En la foto se pueden ver dos imágenes de las actuaciones de Pink Floyd en el UFO Club, con Syd Barret como guitarrista
Su primer sencillo se publico en marzo de 1967, con “Arnold Layne” en la cara A y “Candy and a Currant Bun” en la cara B. El segundo se publicó en junio de 1967, conteniendo “See Emily Play” en la cara A y “The Scarecrow” en la cara B.
La primera presentación de la banda en TV fue en el programa “Look of the Week” de la BBC, donde Syd Barrett y Roger Waters, eruditos y comprometidos, se enfrentaron a una dura entrevista del presentador Hans Keller. También aparecieron en el popular programa “Top of the Pops” de la BBC, que exigía a los artistas que actuasen en playback. Aunque Pink Floyd regresó para dos presentaciones más, en la tercera Barrett había comenzado a desvariar, y fue alrededor de este tiempo que los restante miembros de la banda notaron los primeros cambios significativos en su comportamiento. A comienzos de 1967 consumía regularmente LSD y su actitud era totalmente distanciada de todo lo que pasaba a su alrededor.
“The Piper at the Gates of Dawn”
Las sesiones de grabación de “The Piper at the Gates of Dawn” (El flautista en la puertas de amanecer) comenzaron a mediados de febrero de 1967 y fue durante este proceso cuando Syd Barret aumentó su consumo de LSD. El álbum está compuesto por dos clases diferentes de canciones: las largas improvisaciones que desarrollaban durante sus actuaciones (“Astronomy Domine”, “Pow R. Toc H.”, “Take Up Thy Stethoscope and Walk” e “Interstellar Overdrive”) y otras canciones más cortas que Syd Barrett tenía escritas. Ocho de los cortes del álbum fueron escritos por Syd, uno por Roger Waters (“Take Up Thy Stethoscope and Walk”) y dos por todos los miembros de la banda (“Pow R. Toc H.” e “Interstellar Overdrive”). “Lucifer Sam” inicialmente recibió el nombre de “Percy the Rat Catcher", apareciendo finalmente en el álbum con el primer nombre. También grabaron “She Was a Millionaire” que no aparece en el álbum.
“The Piper at the Gates of Dawn” salió al mercado en agosto de 1967. Pink Floyd continuó atrayendo grandes multitudes al UFO Club; sin embargo, los problemas mentales de Syd Barrett provocaban serios problemas. El grupo esperaba inicialmente que su comportamiento errático fuera algo pasajero; el asistente de Syd comentó: “Encontré a Syd en el vestuario y estaba como perdido, Roger Waters y yo lo pusimos en pie y lo sacamos al escenario ... la banda empezó a tocar y Syd se quedó allí, con la guitarra en el cuello y los brazos colgando”.
Debido a los problemas de Barret se vieron obligados a cancelar su aparición en el prestigioso National Jazz and Blues Festival y otras actuaciones programadas, el grupo informó a la prensa musical que Barrett sufría de agotamiento nervioso. Roger Waters organizó una reunión con un psiquiatra, y aunque llevó personalmente a Barrett a la cita, éste se negó a salir del coche. Una estancia en Formentera con un médico bien establecido en la escena musical underground no condujo a una mejora visible. La banda hizo unas pocas fechas de conciertos en Europa durante el mes de septiembre y su primera gira por Estados Unidos en octubre. A medida que la gira americana avanzaba los problemas de Barrett crecían sin cesar. Durante las apariciones en los programas de Dick Clark y Pat Boone en noviembre, Barrett confundió a sus anfitriones al no responder a las preguntas y mirar fijamente al espacio. Se negó a mover los labios cuando llegó el momento de hacer playback en la interpretación de “See Emily Play” en el programa de Boone. Después de estos embarazosos episodios el grupo cancelo su gira por Estados Unidos y regresaron a Londres. Poco después de su regreso acompañaron a The Jimi Hendrix Experience durante su gira por Inglaterra. Sin embargo, la depresión de Barrett empeoró a medida que la gira continuaba, llegando a su punto culminante de crisis en diciembre. La banda tomó entonces la decisión de incorporar a un nuevo guitarrista.
David Gilmour sustituye a Syd Barret
En diciembre de 1967 Pink Floyd añadió a David Gilmour como guitarra de refuerzo. Gilmour era conocido de Syd Barrett desde comienzos de los años 60, ya que habían sido compañeros de estudios en Cambridge y viajado en autostop por el sur de Francia, además habían tocado canciones juntos con sus guitarras y armónicas. La banda tenía la intención de continuar con Barrett como compositor de las canciones, la idea era que David cubriera las excentricidades de Barrett en directo, y cuando eso no fuera viable Syd sólo se dedicaría escribir para intentar mantenerlo involucrado. En una expresión de su frustración Barrett hizo que sus composiciones fueran cada vez más difíciles y abstractas, como «Have You Got It, Yet?», con cambios de melodías y progresiones armónicas para hacer que la canción fuera imposible de seguir y aprender, lo que hizo que sus compañeros rechazaran el acuerdo. El último concierto de Barrett con el grupo fue el 20 de enero de 1968 en Hastings, al sur de Inglaterra. En abril la banda anunció oficialmente su salida.
Pink Floyd con Syd Barret y Dave Gilmour
Después de la partida de Barrett, la composición lírica y la dirección creativa recayó en Roger Waters. Al comienzo Gilmour imitaba la voz de Barrett en las apariciones en televisión del grupo, sin embargo en sus actuaciones en el circuito universitario evitaban las canciones de Barrett a favor de las composiciones de Waters y Wright, como “It Would So So Nice” y “Careful with That Axe, Eugene”.
A
Saucerful of Secrets
“A Saucerful of Secrets” (Un pequeño plato lleno de secretos) es el segundo larga duración de Pink Floyd. Se grabó entre agosto de 1967 y mayo de 1968, y es, por tanto, el único álbum del grupo en el que aparecen los cinco miembros al completo, el primero con David Gilmour, que participa en cinco cortes (“Let There Be More Light”, “Set the Controls for the Heart of the Sun”, “Corporal Clegg”, “A Saucerful of Secrets” y “See-Saw”) y el último con Syd Barrett, que participa en tres cortes (“Remember a Day”, “Jugband Blues” y ·Set the Controls for the Heart of the Sun”). La única canción de la banda donde los cinco miembros aparecen juntos es “Set the Controls for the Heart of the Sun”.
“A Saucerful of Secrets” (Un pequeño plato lleno de secretos) es el segundo larga duración de Pink Floyd. Se grabó entre agosto de 1967 y mayo de 1968, y es, por tanto, el único álbum del grupo en el que aparecen los cinco miembros al completo, el primero con David Gilmour, que participa en cinco cortes (“Let There Be More Light”, “Set the Controls for the Heart of the Sun”, “Corporal Clegg”, “A Saucerful of Secrets” y “See-Saw”) y el último con Syd Barrett, que participa en tres cortes (“Remember a Day”, “Jugband Blues” y ·Set the Controls for the Heart of the Sun”). La única canción de la banda donde los cinco miembros aparecen juntos es “Set the Controls for the Heart of the Sun”.
“Jugband Blues” fue escrita y cantada por Syd Barret, siendo su contribución final a la banda. En “Remember a Day” toca la guitarra acústica y la slide, y en “Set the Controls for the Heart of the Sun” aparece tocando la guitarra eléctrica conjuntamente con David Gilmour.
Roger Waters se convirtió en este album en el compositor principal con “Set the Controls for the Heart of the Sun”, “Let There Be More Light” y “Corporal Clegg”. Richard Wright compuso “See-Saw” y “Remember a Day”.
El álbum salió al mercado a finales de junio a finales con una psicodélica portada diseñada por Hipgnosis.
Al día siguiente del lanzamiento del álbum en el Reino Unido, Pink Floyd se presentó en un concierto gratuito en el Hyde Park de Londres. En julio de 1968 hicieron su segunda gira por los Estados Unidos, acompañados por Soft Machine y The Who, que se puede considerar la primera gira significativa de Pink Floyd.
En diciembre de ese año, lanzaron el sencillo “Point Me at the Sky”, que sería el último de la banda hasta el lanzamiento de "Money" en 1973.
More
Entre febrero y mayo de 1969 Pink Floyd grabaron, a petición del director Barbet Schroeder, la serie de canciones que aparecerían en la banda sonora de la película “More”, que se estrenaría en mayo de 1969. El álbum con las composiciones del filme se editaría dos meses después.
“More” es un álbum de rock psicodélico que contiene algunas baladas acústicas de estilo folk, un género que escasamente aparecería en trabajos posteriores. También contiene algunas de las grabaciones más “heavies” de la banda, como “The Nile Song” o “Ibiza Bar”, así como varias pistas instrumentales con un enfoque experimental y vanguardista: “Up the Khyber”, “Party Sequence”, “Main Theme”, “Quicksilver” y “DramaticTheme”.
Este es el primer álbum sin el fundador Syd Barrett y es uno de los tres álbumes de Pink Floyd con David Gilmour como vocalista principal.
Hay dos canciones que se pueden escuchar en la película y que no fueron incluidas en el álbum: “Seabirds” y “Hollywood”.
“More” es una película producida en Luxemburgo por el director de origen suizo Barbet Schroeder y protagonizada por Mimsy Farmer y Klaus Grünberg, cuyos exteriores fueron rodados en París y en la isla de Ibiza por Néstor Almendros. La película fue seleccionada para ser proyectada en 2015 en la sección Cannes Classics del Festival de Cine de Cannes.
El filme aborda los temas de las drogas y el erotismo tal como eran en el mundo occidental a finales de los años 60, razón por la que sufrió recortes y censura en varios países, entre ellos España. Es considerada como una película de culto, en parte por la música compuesta específicamente para la película por Pink Floyd y por su narrativa totalmente abierta hacia el consumo de drogas y el sexo libre, temas que la mayor parte de cineastas y productores de esa época trataban de evitar.
La narrativa del filme trata sobre un joven alemán, Stefan Brückner (Klaus Grünberg), que tras acabar la carrera de exactas, emprende un viaje en autostop que lo llevará a París desde la ciudad alemana de Lübeck. Allí conoce a una guapa chica americana de espíritu libre llamada Estelle Miller (Mimsy Farmer) y la sigue a Ibiza. A pesar de las advertencias que recibe de un amigo sobre Estelle, Stefan acepta la invitación de ésta de acompañarla hasta Ibiza. Allí se desarrollará una historia de amor libre y drogas. Un retrato de la escena hippie de aquellos años centrado especialmente en la vida de las comunas en Ibiza.
